Keila Alaver et la création d’une zone autonome temporaire pour l’art

Zona Autônoma Temporária était une résidence artistique organisée par l’artiste Tinho à São Paulo en janvier 2016.

En janvier 2016, Keila Alaver a coorganisé la résidence Zona Autônoma Temporária (ZAT) avec l’artiste Tinho (Walter Nomura) à São Paulo. Cette résidence innovante visait à créer une zone autonome temporaire pour l’art, embrassant un environnement anarchique et sans règles pour favoriser la liberté artistique et la créativité. Pendant dix jours, vingt-cinq artistes se sont immergés dans ce projet collaboratif, vivant et créant des œuvres d’art dans un ancien monastère. La résidence a fourni un espace unique pour un engagement profond avec divers processus artistiques et une réflexion sur le rôle de l’art contemporain dans la société.

La résidence ZAT a été inspirée par la participation de Tinho à un programme similaire à Xucun, en Chine, et par son désir de créer un espace accessible aux artistes. Malgré de nombreux défis logistiques, notamment le manque d’installations de base, la résidence a favorisé un fort sentiment de communauté et de collaboration. Des artistes issus de milieux divers tels que le graffiti, le street art, la culture du skate et l’art contemporain se sont réunis pour partager leurs méthodes créatives et faire tomber les barrières

Keila Alaver, née en 1970 à Santo Antônio da Platina, au Brésil, est une artiste et commissaire d’exposition acclamée qui vit actuellement à São Paulo. Keila Alaver a grandi dans l’État rural de Paraná et s’est ensuite installée à São Paulo, une transition courante pour de nombreux jeunes Brésiliens à la recherche de meilleures opportunités de carrière. En 1996, elle a obtenu un diplôme en beaux-arts de la Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP). Le contraste entre son éducation rurale et l’effervescence de la scène artistique urbaine a grandement influencé son travail, qui englobe une variété de techniques, dont la peinture, la sculpture, la photographie et la sérigraphie, sans ordre chronologique fixe.

Les discussions et les forums ont joué un rôle crucial, soulignant l’importance des compétences cognitives parallèlement aux compétences techniques. Le lieu de la résidence, un ancien couvent transformé en champ de bataille de fusils BB, a eu un impact significatif sur l’œuvre d’art. L’environnement unique, associé à la présence constante d’autres artistes et aux discussions en cours, a façonné les créations, ce qui a donné lieu à un ensemble d’œuvres à la fois cohérent et diversifié.

Les performances réalisées dans le cadre de la résidence étaient dynamiques, interagissant à la fois avec l’espace et les autres œuvres d’art. Les conditions de vie en communauté ont exigé coopération et adaptabilité, contribuant à un environnement harmonieux et productif. Malgré l’absence de règles formelles, le respect et le bon sens ont guidé les interactions, assurant un équilibre entre les besoins individuels et collectifs.

Le succès de la résidence a été marqué par la volonté des participants de relever et de surmonter divers défis, allant des questions structurelles aux dynamiques interpersonnelles. Cet esprit de collaboration a permis de résoudre les problèmes et d’améliorer l’expérience globale. Tinho espère continuer à organiser de telles résidences, avec des ressources et un soutien suffisants, afin d’explorer davantage l’intersection de l’art, de la vie et de la communauté.

Entretien avec Tinho (Walter Nomura)

Qu’est-ce qui vous a incité à développer cette résidence artistique ?

Nous organisons deux groupes d’études sur l’art contemporain dans mon studio à São Paulo, et l’année dernière, j’ai participé à une résidence artistique à Xucun, en Chine, organisée par Xucun International Art Corporation (许村国际艺术公社). Xucun est une très petite ville, très éloignée des autres villes chinoises plus développées. Les réunions de groupe hebdomadaires et l’expérience chinoise m’ont incité à organiser une résidence artistique au Brésil afin que les personnes qui se rencontrent dans mes groupes puissent y participer.

Il existe de nombreux programmes d’artistes en résidence au Brésil et dans le monde, mais il est difficile de s’y impliquer. Il est également difficile d’obtenir un espace d’exposition pour son travail. Issu du milieu du skateboard et du punk, la devise « Do It Yourself » (faites-le vous-même) a toujours été la mienne. La création de cette résidence était donc un défi naturel pour moi.

ZAT residencia artistica sao paulo street art paris

Dans le salon de la ZAT, Keila Alaver est assise à droite du centre, entourée d’artistes, de gauche à droite, dont Bartolomeo Gelpi, Vitor Zanini, Tinho et Lobot.

Quelle a été l’importance des forums de groupe au début de la résidence ?

Les discussions ont été extrêmement importantes car, dans un programme de résidence d’artistes, la discussion et la réflexion sont aussi importantes que la réalisation d’une œuvre et font partie de celle-ci. En tant qu’artistes, nous ne devons pas seulement utiliser nos compétences techniques et manuelles, mais aussi nos compétences cognitives et de réflexion.

ZAT group forum Copyright Micha 2

Dans quelle mesure les artistes étaient-ils libres de créer des œuvres et d’utiliser l’espace, c’est-à-dire d’ajouter des œuvres, mais aussi d’ajuster la forme physique de l’espace, par exemple en abattant des murs ?

La limite entre ce qui pouvait être fait et ce qui ne pouvait pas l’être était simplement le respect des autres artistes qui travaillaient. La base de la résidence était l’anarchie, mais les productions ont toutes besoin d’espaces, et les espaces ont des limites. Si un artiste occupe un espace, cet espace ne peut être perturbé par d’autres artistes, à moins que l’artiste occupant l’espace n’en donne l’autorisation. Compte tenu de cette limitation, tout était possible.

residência artística Antonio Dorta ZAT Zona Autônoma Temporária - Sao Paulo - street art parisŒuvre d’Antonio Dorta.

Pouvez-vous expliquer comment l’histoire et l’architecture de l’espace ont influencé les œuvres produites ?

Le site était autrefois un couvent, mais il a été fermé depuis et sert aujourd’hui de champ de bataille pour les armes à balles BB. Ce champ de bataille était en pleine activité pendant notre occupation. Il y avait donc une logique de fonctionnalité où nous avons exploité le lieu à tour de rôle. Nous avons donc travaillé tous les jours et toutes les heures où le terrain ne fonctionnait pas. Pendant les jeux, nous nous sommes retirés dans nos quartiers d’habitation situés dans une autre partie du complexe et nous avons attendu la fin des jeux.

En attendant la fin des jeux, nous avons tenu des réunions et des discussions, si bien que nous n’avons pas chômé pendant tout le séjour.

Bien sûr, tout cela a un impact sur le travail artistique de chaque artiste. Si l’on considère que la plupart des artistes participants sont également restés sur place pendant les onze jours, on comprend mieux comment tout cet environnement a pu influencer leurs créations.

Comment avez-vous sélectionné les artistes et quelle était la dynamique du groupe travaillant et vivant ensemble pendant onze jours ?

Le groupe d’artistes participants était composé de groupes issus de trois milieux différents : graffiti, street art et skate, underground et artistes contemporains ayant suivi une formation académique. Il était très important d’avoir un nombre équilibré de participants de chacun de ces groupes pour l’échange de pensées et de méthodes de création artistique dans le cadre du programme de résidence.

La participation, la curiosité et la coexistence se sont déroulées de manière très naturelle. La timidité initiale de chacun a disparu et, à la fin de la période, l’intimité était beaucoup plus grande. Je pense que le fait de vivre ensemble dans le même espace, d’avoir une coexistence intégrale, sans alternatives, parce que l’endroit était isolé, et avec un emploi du temps chargé, sans beaucoup d’espace pour la dispersion, a beaucoup aidé à la capacité de construire des relations.

Avez-vous remarqué une certaine cohésion entre les œuvres réalisées ?

Il est évident que le « grand » lien entre toutes les œuvres était le lieu lui-même. L’architecture, l’environnement, l’atmosphère et les relations interpersonnelles.

De nombreux artistes considéraient toutes les œuvres créées comme unifiées, comme si chaque œuvre individuelle faisait partie intégrante d’une grande œuvre collective.

Mais de nombreuses œuvres étaient clairement en dialogue les unes avec les autres ou complémentaires à d’autres parties de l’ensemble.

Certains artistes ont choisi de développer des performances. Comment ces interventions ont-elles communiqué avec l’espace et le travail des autres artistes ?

Chaque performance est en dialogue non seulement avec l’espace dans lequel elle se déroule, mais aussi avec les personnes qui se trouvent dans ce même espace. Certaines performances ont eu lieu dans un espace confiné, d’autres se sont répandues partout, y compris dans les espaces d’autres artistes.
Je pense que les performances ont essayé d’attirer l’attention sur le lieu, sur ce qui s’y passait et sur la manière dont ce lieu influençait la pensée et la création de chaque artiste présent.Pouvez-vous nous parler un peu de l’élément communautaire de la résidence, de la façon dont les gens ont travaillé et vécu ensemble dans les mêmes bâtiments pendant onze jours, et de la manière dont cela a influencé le travail produit et l’expérience globale ?

Comme je l’ai dit, l’idée générale était l’anarchie.Il n’y avait pas de règles, pas de hiérarchie, pas de délégation de tâches. Tout ce qu’il y avait, c’était un espace architectural sans structure et un petit espace de vie avec une seule salle de bain, deux chambres privées, une seule douche, un cuiseur de riz électrique et un réchaud à deux feux avec une bouteille de gaz, et les gens qui vivaient là, tous ensemble pendant onze jours.Les premiers jours, il a fallu faire des ajustements, comprendre comment chacun fonctionnait et comment il pouvait s’adapter à la vie en commun.Au fil des jours, l’harmonie du groupe et la volonté de chacun de vivre dans une atmosphère de bonne énergie ont beaucoup contribué aux échanges qui ont eu lieu, où chacun a pu apprendre et enseigner à l’autre comment l’art et la vie sont liés et comment trouver un équilibre entre ces deux paradigmes.

Encore une fois, ce qui a dicté les règles, c’est le respect et le bon sens qui existaient chez les gens et dans les situations qui se présentaient.Quels problèmes avez-vous rencontrés dans l’organisation et la gestion de la résidence ?

Il y a eu de nombreux problèmes, mais chacun a été résolu de manière satisfaisante avec l’aide de plusieurs personnes désireuses d’aider le projet.

Les premiers problèmes étaient d’ordre structurel.Il n’y avait pas d’électricité câblée, les lieux étaient très sales, nous ne pouvions pas avoir de réfrigérateur pour stocker de la nourriture, l’endroit où nous allions vivre n’avait pas d’autre protection que le plafond et les murs.Ensuite, nous avons eu des problèmes avec l’occupation des espaces de travail, les vanités des artistes, l’organisation de l’espace de vie, l’organisation de la nourriture, des déchets, du nettoyage, l’invasion de l’espace de travail d’un artiste par les autres.Les problèmes ont été nombreux.Beaucoup plus que je ne l’avais prévu. Mais il y avait aussi une grande volonté de la part de l’ensemble du groupe d’aider à résoudre chacun des problèmes qui se posaient.

Bien sûr, de nombreuses solutions ont fini par créer de nouveaux problèmes, mais en général, tout s’est bien passé.La plupart des problèmes ont été résolus rapidement et la plupart des gens n’ont même pas remarqué la plupart des problèmes.

D’autres projets de résidence avec des artistes de rue sont-ils prévus à l’avenir ?

Il y a beaucoup de volonté. Nous avons besoin de ressources, de personnes prêtes à travailler dans cette partie moins artistique et plus organisationnelle. Nous avons besoin d’espaces adéquats et vastes pour commencer à travailler. S’il y a de l’aide, si les ressources arrivent, nous voulons donner à ce projet une suite infinie et illimitée.

Veuillez visiter : ZAT Facebook et ZAT Instagram

Les artistes ayant participé à la résidence sont les suivants :

Tinho alias Walter Nomura

Walter Nomura, originaire du Japon mais né à São Paulo. Même génération qu’Os Gemeos. Treize ans lorsqu’il peint son premier mur en “pixaçao”. Après avoir obtenu son diplôme des Beaux-Arts en 1994, il retourne au Japon pendant 3 ans. Des dessins tristes et mélancoliques, des gens qui souffrent, des petits personnages de journaux. Il veut exprimer la solitude des habitants des grandes villes et tout ce qui va avec, comme la violence et la douleur.

@tinho

   

Leiga alias Jack Neto

Leiga, également connu sous le nom de Jack Neto, est originaire de São Paulo et a commencé son parcours artistique par l’écriture de pixação. Au cours des huit dernières années, son style a évolué, influencé par la culture du skate et la peinture de rue. Ses études à la Panamericana School of Art and Design ont encore élargi sa vision artistique. Il décrit son travail comme des « bulles » inspirées par les parties internes des objets, évoquant un monde fantaisiste rappelant Alice au pays des merveilles. L’art de Leiga mêle des éléments concrets et abstraits, créant un mélange surréaliste où les spectateurs peuvent interpréter leurs propres récits. Bien que certains puissent penser que sa créativité est due à la drogue, sa véritable intention est d’inviter les gens à entrer dans un royaume d’imagination qui reflète le surréalisme des aventures d’Alice.

leiga.me

Leiga ZAT blog 141 IMG_3512

Shima Shima

Marcio Hirokazu Shimabukuro vit et travaille à Carrancas (Minas Gerais), mais est originaire de SP. Formation : Université des beaux-arts de SP, puis design industriel. Expositions dans le monde entier, en Europe, en Amérique du Sud et au Japon. Il est également spécialisé dans les vidéos et les installations. Il considère son travail comme une déconstruction de la pratique traditionnelle, qui se traduit par des installations, des objets, des vidéos, des photographies et même des performances. Il souhaite présenter des choses ordinaires de manière inhabituelle. Ses thèmes récurrents sont les facteurs d’identité et d’appartenance, l’imagerie de la vie quotidienne contemporaine, le (comment) être au monde et l’état de crise permanent.

shima.art.br

shima shima zat sao paulo blog 141 IMG_2270 shima shima zat artist residency sao paulo blog 141 IMG_2273 shima shima zat artist residency sao paulo blog 141 ct shima 2 (1) shima shima zat artist residency sao paulo blog 141 ct shima

Roberto Bieto

Walter Nomura, originaire du Japon mais né à São Paulo, appartient à la même génération que Os Gemeos. Il avait treize ans lorsqu’il a peint son premier mur en pixaçao. Après avoir obtenu son diplôme d’art en 1994, il est retourné au Japon pendant trois ans. Son art se caractérise par des dessins tristes et mélancoliques de personnes souffrantes et de petits personnages de journaux. Nomura cherche à exprimer la solitude des habitants des grandes villes, ainsi que les thèmes de la violence et de la douleur qui l’accompagnent.

bieto.com.br

bieto zona autonomia temporaria sao paulo cpt ZAT 2016 3 bieto zona autonomia temporaria sao paulo cpt ZAT 2016 2 2016-01 bieto zona autonomia temporaria IMG_2272 2016-01 bieto zona autonomia temporaria IMG_2271 2016-01 bieto zona autonomia temporaria IMG_2268

Coletivo SHN

Originaire d’Americana, dans l’État de São Paulo, SHN est un collectif d’artistes de rue qui utilisent leurs propres sérigraphies pour occuper les espaces publics. Leur idéologie du bricolage se manifeste par des ateliers d’art collectif et expérimental. Ils se sont fait connaître grâce à leurs événements de rue, qui présentent des vidéos, des DJ et des collaborations avec d’autres artistes pour créer une atmosphère immersive.

@shn

Daniel Minchoni

En tant que poète et artiste, il a organisé des événements poétiques en Espagne tels que « O menor Slam do Mundo », « O sarau do burro », « Rachão poético », « Cabaré revoltaire » et « A peça Literatura Ostentação ». Outre ses performances poétiques, Minchoni présente également son travail d’artiste de rue au Brésil et à l’étranger, toujours ancré dans sa relation avec la poésie.

@danielminchoni

Jerry Batista

Jerry Batista est originaire de Grajaú, dans le sud de São Paulo, et est un artiste associé à la galerie A7MA et au Coletivo 132. Son exposition « Lembranças e Memórias » (Souvenirs et mémoires) s’inspire de son enfance à Grajaú. Batista a exposé ses œuvres non seulement au Brésil, mais aussi en France et en Allemagne. À travers son art, il cherche à transmettre ses racines brésiliennes et aborde constamment les questions sociales qui prévalent dans son pays, en particulier l’inégalité.

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2446

Jerry draws a character on the wall freehand, with beading dividing the wall into two shades for his installation at the ZAT residence.

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_3410

2016-01 Jerry batista enivo performance zona autonoma temporaria sao paulo IMG_2514 800px

Jerry Batista classroom installation ZAT artist residency - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris IMG_2448

Jerry Batista painting - street art graffiti sao paulo brazil by street art paris cpt Juliana Maria Cerquiaro
Détail d’une peinture à l’huile faite sur un tableau d’école brésilien d’origine.

Helio Marquess

Originaire de Guarulhos, il est photographe et artiste de rue. L’une de ses œuvres les plus remarquables, « Drip colours », combine la photographie, le graffiti et la peinture corporelle. Il est connu pour ses peintures de filles et son utilisation des couleurs néon.

@riskavicia

hélio marquess cpt Simone martins (3)

Keila Alaver

Keila Alaver est représentée par la Galerie Vermelho, à São Paulo. Cette artiste estimée est née en 1970 à Santo Antônio da Platina, au Paraná.

Le travail de Keila Alaver se concentre sur la recontextualisation d’objets quotidiens qu’elle a acquis dans des magasins, des marchés et des foires populaires au Brésil et à l’étranger. Sa pratique artistique reflète la disparition des traditions, influencée par les changements dans les habitudes de consommation et les avancées technologiques.

Outre ses expositions, Alaver est l’auteur de O Jardim da Pele de Pêssego, publié en 2011 par la Galeria Luisa Strina à São Paulo. Le livre est une collection de photographies qui explorent la beauté et la complexité de la peau humaine, la comparant à un « jardin » qui a besoin d’être soigné et apprécié. Le livre présente diverses images de personnes célébrant le caractère unique de la peau humaine.

L’exposition qu’elle a organisée en 2011 à la Galeria Luisa Strina a mis en lumière ses recherches approfondies sur les objets quotidiens qui portent des histoires et des caractéristiques uniques. L’exposition présentait sa série Cartões em Movimento, composée de cartes-cadeaux articulées, et Borboletário, une collection de huit pièces en acrylique avec des impressions de dessins de papillons réalisés avec des pierres semi-précieuses brésiliennes.

L’art de Keila Alaver reflète un engagement profond avec les aspects matériels et culturels de la vie quotidienne, invitant les spectateurs à reconsidérer la signification des objets de tous les jours dans des récits plus larges de tradition et de changement.

@keilaalaver

keila alaver zat sao paulo blog 141 Cpt Lincoln (8) copy

Retour en haut